绘制分镜头脚本
1. 什么是漫画脚本的分镜头写作
分镜头脚本的写作
1、什么是分镜头脚本?
分镜头脚本又称摄制工作台本,也是将文字转换成立体视听形象的中间媒介。主要任务是根据解说词和电视文学脚本来设计相应画面,配置音乐音响,把握片子的节奏和风格等。
2、分镜头脚本有什么作用?
分镜头脚本的作用主要表现在:一是前期拍摄的脚本;二是后期制作的依据;三是长度和经费预算的参考。
分镜理论方面[/font]
一, 分镜头剧本(story board)绘制要求:
1, 充分体现导演的创作意图,创作思想,和创作风格。
2, 分镜头运用必须流畅自然。
3, 画面形象须简捷易懂。(分镜头的目的是要把导演的基本意图和故事以及形象大概说清楚。不需要太多的细节。细节太多反而会影响到总体的认识。
4, 分镜头间的连接须明确。(一般不表明分镜头的连接,只有分镜头序号变化的,其连接都为切换,如需溶入溶出。分镜头剧本上都要标识清楚。)
5, 对话,音效等标识需明确。(对话和音效必须明确标识,而且应该标识在恰当的分镜头画面的下面。)
二, 关于考试
1,考试步骤:审题(1,明确题意2,构思故事提纲3,对故事进行分段4,人物造型)
初稿(1,大概场景,人物的位置2,标出光源,阴影)
勾线(1,确定主体轮廓2,去掉不需要的线条3深入刻画人物表情)
上色 (以光源来确定阴影,突出层次)
写上编号,对话
2,关于考试的时间安排:
总的时间3个小时(审题20分钟,初稿10分钟,勾线40分钟,上色20分钟,编号10分钟)
3,关于镜头方面的问题。
镜距:远景 作用主要强调场面的深远。
全景 作用显示人物相对的动作状态。(人物的全身都可见)
中景 作用符合一般的人物视野,它的场景看起来不远不近。(人物膝盖以上)
近景 作用能看清人物表情。(取人物的上半身或其他部分)
特写 作用放大人物的面部,人体或物体的一个局部。(突出局部)
镜头角度:
平视 特点是视平线在画面人物或主体的头部或上部。(该角度给人平实和自然的感觉)
俯视 特点是画面在人物头部或主体的顶部以上,层次和运动比较清晰,但表情不容易被看清。
仰视 特点视点在画面人物的腰部或主体的下半部以下。形象显得高大,但也会产生主体形象变形的特点。
混合运用 通过平视,俯视,仰视的组合来达到希望的效果。
动画镜头的运动:
纵深运动 包括拉镜头,推镜头,跟镜头。
平行运动 摇镜头。
动画镜头的基本叙事方法:
顺叙,按事情发生的时间顺序来讲故事。
插叙,在中间插叙。
倒叙,先有一个悬念,在进行叙述。
4,案例
《小鸡快跑》
镜头1:全景,月亮在天空,(镜头下摇,忽然)出现铁丝网
镜头2:(叠化)大全景,俯,全部的鸡舍的鸟瞰,(镜头下摇到地面,停)画面右面,有看守打扮的人牵着狗迎面走来。
镜头3:近,在前进的狗,它露着凶光。(运动用画右到画左)
镜头4:特写,一个锁在手电筒的光照射下,看守的手去握握,人出画。
镜头5:特写,脚走过的画面,(镜头变焦,变成全景)
第四小节 漫画脚本创作的一般程序以及可能格式
谈到现在,我们已经确定了几个问题:漫画脚本的创作要符合漫画自身的规律;漫画脚本实际上是一种特殊的电影脚本;漫画脚本创作应该以预想中的画面效果为参照;漫画脚本的创作可以遵循一定的套路;中国的漫画脚本发展不能走日本的老路;中国文化与世界文化中的本质区别不应抹杀。
现在,我们可以试着提出这样的问题:漫画脚本的创作过程和格式是怎样的?这种物理形式对于脚本的本质精神有没有影响?或者说漫画的本质精神对脚本的物理形式有没有影响?
对于这个问题的回答,实际上也许并不需要很长时间的思考与很深刻的辨析,显而易见的,漫画的脚本形式与电影脚本的形式将是非常相似可以借用的。到现在为止,我们已知的漫画脚本形式从本质来说就只有一种,但如果加以细分,则会得到一些不同层次的做法,如果把这些做法看成一个连续的改编过程,我们得到的将是一个漫画脚本的一般创作程序——也许这个程序只是在头脑中进行的——并且从中任意抽取一种做法都将是漫画脚本的可能格式。
首先,最常用的无疑是文学的、剧本的形式。完全用文字写成,清楚的交待人物的特征、时间地点、事件始末,接下来就是按照场景或镜头交待行为与对话。这种形式是最容易做到的,因而也是一切尝试的基础——当然也有人纯粹用写小说的形式完成脚本,但其结果是还要再次改编,中间不免出现误解和分歧。
其次,将上面的形式加以进化,加入漫画的镜头理解。在文字叙述中增加对画面气氛的要求、对镜头处理如分格大小的要求等等。
再次,如果脚本作者和画手联系紧密,脚本中也可以加入人物和场景的初期设定等画面说明——不过除非你已经决定使用这位画手,否则至少这是在作无用功。
最后,如果你本身也具有强烈的镜头意识,不妨将脚本完全变成画面形式的——就像电视广告的画面脚本一样,不作画面分格,只用同样大小的格来阐述镜头。这种脚本必须加以注释的是,这里的镜头并不代表最后创作的镜头,作者不应该受到脚本中镜头感的限制——脚本作者毕竟不是画手,即便是画手本人创作自己的脚本也应该认识到写脚本的自己和画漫画的自己还是有分歧的。这实际上是漫画脚本的最后界线,再向前迈一步就成了草稿,在此建议漫画的作者应该尽量的经历这一脚本创作的阶段,而不要一开始就进入草稿的阶段——没有脚本的事先规范,草稿中容易出现不必要的漏洞,而且对于漫画的时间性、流动性和连续性尤其容易把握不足。
这样得出推论五:漫画脚本的创作形式可以是从最初的文学剧本到最后接近草稿的分镜头(不是画面分格)剧本中的任何形式。其应用应考虑脚本作者与画手之间的合作形式加以选择。一般来说文字形式的脚本给画手发挥的余地更大,绘画形式的脚本适合合作非常亲密的创作者。(推论五)
作为漫画脚本的一般形式其实也就到此为止了,没必要为此浪费更多的精力,如果要进行更深入的探讨,我们不妨具体的考虑一些脚本实际创作中的程序问题。
如果细分脚本的创作步骤,我们可以得到下面的三个部分:故事主题、人物、环境设定、风格以及情节和分镜头。由于漫画篇幅的长短不同,对这三部分的利用产生了分歧。
初学者或初出道者最需要的是精心制作几个短篇,用来锻炼画技,并当作出版社的敲门砖。由于短篇很难用来塑造人物,所以制作短篇脚本最主要应该先完成的就是风格、主题和情节,继而围绕主题设定人物以及场景道具,最后进行分镜头剧本的绘制。这其中,故事主题是重点中的重点,短篇立意是最重要的。8页的短篇里一般只能容纳一个点状情节,并围绕一个中心展开,甚至可以没有情节,这时的主题就当然很重要。20-60页的短篇可能出现比较复杂的情节,也可能什么都没有,但是,会有一个高潮(或者比较点题的部分),这是全篇的重心,故事主题就表现在这里。一般把这种高潮做成抖包袱的形式会比较吸引人,当然也可以平铺直叙自自然然的达到效果——这是具体的作文问题,这里就不必详细研究了。值得注意的是,在短篇脚本中,人物和事件是处于从属地位的,这一点很重要——如果不是有很好的处理的话,违反这个原则,会不容易达到创作的目的和效果。
如果在创作脚本时把情节当作重点,为了讲一个故事、塑造一个人物、描述一个世界,那么,就需要至少一个中篇来容纳。中篇故事的创作主题仍旧很重要,但同时,可以在主题和情节中任选一个作为重点。这是因为,60-200页的作品可以表现出细腻丰富的情节,塑造一个甚至多个完整的人物形象,描述一个完整的世界,而其中所包括的主题将可能不止一个。于是中篇脚本的创作就应该首先完成故事的大纲,从而有依据的设定人物和环境,并由这些考虑的很周详的人物来完成情节,最后应该在完成文学剧本的大纲后再进入分镜头剧本的创作,或者只完成详细的文学剧本,直接进入草稿创作。总的说来,中篇故事应该是完整的小说,而短篇则无疑是作文。从商业发表角度上来说,中篇作品已经具有商业价值,可以带来比较持续的读者,并可以经过扩充形成单行本出版;短篇则不具有这种价值,就像作文一样,它只是展示作者实力的手段,也是即将创作的长篇故事的探路石。换句话说,短篇是新人的心血,中篇是成手的休闲。
有时候,成系列的短篇或拉长的中篇形成了很长很长没完没了的连载,这就是长篇。在长篇脚本的创作中,人物是长时间伴随读者的密友,是创作的最主要部分。在这里主题是可多可少可有可无的,情节是随行就市迂回曲折的,它们统统退居到次要的地位。精心设定的人物和环境是赢取读者的最终手段,必须经过精心的设计和讨论,并用不同风格的短篇进行试验,然后才能确定此作品将采用的风格和设定。至于主题,往往要看具体的情况,一般比较商业的作品不可能只有一个主题,经常是在主要的主题周围每一段情节都另有分主题;完全没有主要主题的作品也是可以成立的。情节方面,往往是在大纲的基础上单集制作,并用数十集形成一个段落。这样做的好处就是可以很好的把握市场,可以将故事无限制的延长下去。另外,也存在着每集换主人公的连载,这是一种特例,它实际上是把一种人文精神当作了主人公,这种连载与其说是长篇倒不如说是短篇集来的恰当——它有一种变形,形式上有持续的主人公,但只起到线索人物的作用,每一集仍旧有自己独立的人物。实际上,长篇连载的创作特点就是在完成长篇的准备工作后,把每一集都当作20-60页的短篇来创作。
推论六:脚本的创作过程由篇幅长短来决定。短篇强调主题,适合于试验的性质;中篇强调故事的整体性,主题与情节并重,是一种严肃的文艺创作;长篇强调商业性,以人物和各种设定取胜,并由设定产生情节、阐述主题,长篇每一集的具体创作都与短篇类似。(推论六)
第五小节 我们的漫画
经过一番空洞的理论研究,我们得出了一些推论,这些推论将有助于我们实现对我们自己的脚本创作提供帮助的愿望。
创作一个好的漫画脚本,尤其是不抄袭、有价值的作品,至少需要不犯低级错误。这就需要把握住漫画的三原则,理解漫画的本质;熟悉漫画创作的套路,对其进行选择性的吸收;了解漫画脚本的创作过程和规律,是自己不至于顾此失彼,将精力浪费到不必要的方面。
但是,这些都还只是初级的要求,一个成熟的漫画家,一个负责的脚本作者,还有着更重要的责任。这就要追究我们从事漫画的初衷。
我们中的一部分人是为了画出心中的故事——就像大多数文学爱好者一样,一部分人同时还是为了争一口气——就是不服日本人,还有人是为了画出好看的画——普及美术大概也是漫画的一大功能。不管是那一部分,实际上都是为了画出好的漫画,那么什么是好的漫画?好漫画必有好脚本,那么什么是好漫画的脚本?
这实在是一个混同的问题,我们可以从几个角度来看待。
首先是功用。
漫画的直接功用当然是影响读者,然后读者决定市场,市场影响社会,社会决定文化。因此,漫画最终会影响并形成自己的文化,任何漫画作品都有必要从这个高度加以认识。中国的漫画将形成怎样的文化,就由所有的漫画从业人员共同决定,其中自然包括脚本的创作者。因此就要在创作中考虑到自己作品的文化属性,中国的漫画作品当然更多的是把自己归属到中国的文化中去,这就需要对中国的文化精神加以了解。这不是一件泛泛的工作——提到中国文化,我们总是首先想起传统文化的继承——祖先太过于优秀,对后代就造成了压力,对不争气的后代尤其如此。实际上,中国文化的含义应该是广义的,至少对于漫画是这样,它不仅包括祖宗的,也包括我们自己的。这种文化来源于我们的生活——不论是祖宗的还是我们自己的——我们所要作的就是从生活中提炼,加以美化,再用它来影响生活——总的来说,任何文艺形式,在抒发情绪的同时都是为了赞美或批判我们的生活而存在的,最终的目的就是要规范生活。漫画所影响的多数是年轻人,当这些人成长为社会的中坚力量,社会就会在他们的规范下运转,漫画对他们的影响就会体现在他们所控制的社会中。所以,漫画就和所有的文艺形式一样面临各种要求,甚至有一些干涉到创作的自由。我们当然不能允许那种使艺术也变得板板正正的干涉,但是也应当做出适当的妥协——就算是一种社会责任感——因为漫画是一种通俗的艺术,它所影响的不是个别人,而是整整一代。总的来说,流行性、夸张性、反讽性、叛逆性和幻想性……这些让人愉悦的特性是不能失去的,它们是漫画的生命力;批判现实的权力也是必须加以维护的,这没什么好商量,因为任何文艺形式都绝不是只为了歌颂什么而创作;无聊的东西也应该允许其存在,因为它是社会想象力的基础;消极颓废也只是生活的态度,只要不犯罪也基本上属于个人自由,并没有禁止的道理,反而如果加以禁止会有更多的人因为不能在文艺作品中得到满足而去亲身尝试,实际上现实存在的东西,只去禁止文艺作品的表现只能适得其反。我们真正应该反对的其实只有很少的几样——违背最基本道德观,损人利己的(指原则性的问题,而不是那种带有讽刺性质的,只要不是刻意宣扬就可以了);卖国反民族的(这根本没的商量);鼓励和赞赏犯罪的(但不是那种指出法律漏洞的);直接侵犯民事权利的(侵犯名誉权、侵犯着作权)——还有的话,也都是这类性质的才应该禁止,至于对政治、生活、信仰之类的怀疑和探讨都是宪法规定的权利,没必要防民之口甚于防川的对待——即便是要防川也应该疏导而不是堵塞。对于作者来说,就应该慎重于不健康的东西,而大胆的表现对生活的意见——这就是漫画的功用,我们真正应该作的。
其次是主题和情节。
漫画的主题多数是针对青少年的,因此就要求一种较为浅显和有创造力的特色以适应这阶段读者的心理。这就不同于文学和影视,漫画的主题多数都很时尚很年轻,具有开创性和启发性——这种感觉的东西现在国内还相当少见,反倒是正儿八经的说教和胡搅蛮缠的打闹居多。说起说教,倒是立即让我想起了曾经在北京卡通上发表过的《戒烟》、《我是木头人》之类,教育意义无以复加,趣味性也同时存在,还特别的注意了漫画语言的合理性,但是怎么看都不对味儿,实在是很难把它算在新漫画的阵营里;究其装的不像的原因,大概就是时尚性不足而且从根本上没有创意(在镜头方面也没有抓住漫画的本质,从造型到镜头运用都不伦不类,居然也草草的符合了漫画的三原则),这是一种老漫画向新漫画过渡的意识上的失败例证,值得注意避免(此作者后来在电视上遭遇专访,居然大放厥词认为自己是中国漫画的救世主,天生就是拯救中国漫画的,而且认定自己的漫画很好很好,是新漫画的典型——这些话在被窝里对自己说行,在电视上说出来会对中国漫画形成什么样的误导?!此君真的认为自己已得漫画的真谛?疑惑是失心疯掉了?原话怎样忘记了,只是时时想起来不免生气,或许是嫉妒此君抢了大家尤其是我的风头。反正无论如何,很难接受此君的漫画,捎带着看他的人也不会顺眼)。说了些题外话,但是不影响主题。主题仍旧是呼唤有创意不甘于平淡的作品,尤其时尚和叛逆是商业作品的两大武器,这是时代赋予我们的,应该好好珍惜。流行时尚虽然是浅薄的东西,但是如果不下好功夫研究和使用,也仍旧只是人家的摇钱树,变不成自己饭碗——就好像老祖宗们认为儒家自然科学是浅薄的实用主义,结果……都知道会怎样——其实认为什么什么浅薄都不过是骄傲自满罢了,有什么好得意的!大多数的好漫画都应该是长于幻想善于创造的,就算是面向成人的漫画,流行性、叛逆性、夸张性都不要了,最不可缺少的仍旧是想象力;这是人类生活的乐趣所在,实在不容抹杀。我们的本土漫画非常缺乏它的灌溉,这应该是编辑保守的责任,但同时也有作者表现力太弱的成分。而且幻想不等于乱想,它只是一种完成主题的工具,而不是主题本身——混淆了的话,就会变得泛滥,难以理解。
漫画对情节的要求与文学没有什么本质的区别,只是在关注面上会有不同。文学的情节比漫画自由的多,但商业性的也就那么几种;漫画从开始就是商业性的,因此在这方面反而比文学的表现力更加丰富。漫画的情节和它所服务的主题一样,也要求生动、时尚,并且还要使读者产生代入感,要有说服力。这就要求真实——至少是在自己创造的世界里真实,要能自圆其说,并且不罗嗦。还要求有让读者舒适的节奏感和整体感——这是能够把握的技术活儿。真实感来源于生活,不能闭门造车敝帚自珍。我们的作家经常为了创作小说深入生活,甚至出生入死;日本的漫画家也经常要采风、旅游增广见闻——这有待于漫画体制的建立和完善,但在此之前,最起码的真实也应尽力保证,尤其可以多从熟悉的生活中取材。
再次是人物。
漫画中的人物是很独特的一群,不仅思想怪异,行为夸张,而且经常是市井中的哲学家,一代人的典范。对于漫画中的人物来说,个性就是生命,夸张就是生活,这与文学真是大大的不同。但是这些人的存在又必须是合理真实的,他们的性格应该可以支持他们自己演出整个故事。漫画中的人物是因为思想生存的,这些思想就是主题。
最后是文化。
漫画中经常要涉及各种文化成分,比如哲学、历史、宗教、神话、风情、民族、节日、体育、科学研究、行业行为特征……这些文化成分往往是外行难以接近了解的,需要认真的调查和体验才能有初步的认识,对创作者来说是艰辛的工作,对读者来说充满神秘感——但也正是这种神秘感才使它们具有漫画上的商业价值和人文意义。引入这些文化成分所带来的好处是不言而喻的,可能的话任何文艺作品都会希望和它们粘上关系。但是对它们的使用必须谨慎——日本人在这方面作的就很不出色,将自己的意志强加上去,仅仅把这些文化成分看作点缀,是对文化的不负责,也是对作品的不负责,流于哗众取宠。反过来说,如果中国人能在这方面认真负责,那么这就必将成为战胜日本漫画的一个契机。这里有一个特例,对于历史的改编很多时候是不必忠于原着的,一方面因为原着并不一定可靠——至少是对原着的解释不一定可靠,另一方面可以看成是架空性质的作品,只考虑现实意义就可以了——这不是歪曲,甚至还会对历史的普及提供帮助。与之相反的,不负责任的歪曲历史就很可恶,不仅一幅假正经的样子很让人讨厌,而且在伪历史的实质之上还很不负责任的把自己与历史混同起来——二者的区别并不在于改编历史上,而在于有否独立的思想,在于改编历史的态度上——一个是主动有意识的改编为自己的思想服务,一个是被动懒惰的不求甚解的歪曲,而且思想颇为混乱。在其他文化的利用上也许也存在这种状况,但更多的是无意的不求甚解断章取义,这样造成的危害就是误导读者,并且暗示一种马马虎虎的生活态度——这是很不良的潜在影响,甚至会影响民族性的根本特征,真的马虎不得!
总结起来,好的漫画应该有如下的特征:首先具有文化和社会的功用,能够影响为数众多的读者甚至一代人;宣扬向上的主题,拥有完整连贯的情节,符合漫画的根本原则;能够塑造合理感人的人物,能够创造自己的完整世界;能够
以上只是粗略的回答了好漫画的特征,但是好漫画从哪里来呢?
制作出好的漫画脚本有时也并不一定完全依赖于个人的创作,改编现有的文学作品就是一条捷径,只不过还需要漫画脚本制作者的辛勤劳动,把它们变得更加适于漫画。
组成创作组也是不错的主意,更多的时候和更好的方式是提供专门和作者交流的编辑,用密切的合作产生优秀的作品——不仅作者不能胡来,编辑也不能强迫作者作什么。或许他们中间再加入一个具有专业水平的经纪人也是个不错的主意。
也许条件具备的时候,大的漫画经纪人会成为实体,组成漫画工厂,引入流水线——虽然有碍创作的自由,但是确实有无与伦比的速度。那时连漫画脚本也会工厂化,那就必然会走某种套路。
随着硬件的升级,电脑创作、网络发表也是不错的出路。这样可以形成规模自由的集成化生产,但是由于缺乏编辑的约束,质量上无法保证。
如果说这些就是我们的漫画,实在是不够确切,但是从这些要求出发,我们将一步一步接近我们自己的漫画。重要的是,认真的去想,努力的去做。
结尾
中国的漫画现在最重要的问题是什么?
答:是漫画人的温饱问题。
不论是作者、编辑还是经纪人,都处在业余的边缘——他们从水平上属于业余,待遇上也是业余的。如何提高待遇其实和提高水平是同等重要的。而如何提高待遇,就要依靠多方面的帮助——最主要的当然还是自己。
漫画人要提高待遇,就要多挣钱;要多挣钱,就要开辟市场、想各种办法;要开辟市场,就要有拿得出手的产品——这不仅是那些还处在中学阶段的广大作者们的责任,编辑和经纪人也不能总是一边拿这捕鱼的网,一面只是呼吁鱼儿们赶快过来;而最终要拿出好产品,还是要靠过硬的脚本——不仅是符合中央精神的,也不仅是一篇两篇,我们需要的是全方位介入现实生活和幻想空间、大量的铺天盖地的脚本,而且最好还是成熟的优秀的——这是编辑和经纪人应该做的。
对于编辑来讲,得到好脚本的途径有三条:
1、自己创作——先不说这样产生的量有多么小、如何的杯水车薪,单是质的方面就很靠不住。
2、征集稿件——这样做无疑是必须的,但是远远不够,这种行为从漫画原创刊物创办之初就没停过,也没见到什么好作品。
3、培养专门力量——听起来是天方夜谭,但却是唯一可行的方法。
据说电影学院的学生们都在写剧本挣大钱,没人会来写漫画(他们即便是肯写,我估计也一定写不好,原因就是他们是半调子——漫画的门外汉。如果他们不谦虚,那就有不如无)。培养自己的脚本队伍确实很难,但是如果能够创造条件,使之和就业挂钩,相信也会为今后奠定一些必要的基础——这只是星星之火,但是如果不加以点燃,只是不断的凿壁偷光,那就什么燎原大火的希望也看不到。主席说过,榜样的力量是无穷的;只要这里形成了打开的出口,就会形成吸引力;只要制造足够好的先例,大量的作者就会有行为的依据和指南。人们会向希望飞去,所需要的就是制造这样的希望——这需要突破一些以前不敢突破的东西。
漫画不同于以往的任何媒体,需要新的出版体制与之相适应,但是这一步到现在还犹犹豫豫的没有走到地方。实际上需要的并不多,只是在人事上需要将美编-文编-主编的格局细分成为各种专项的编辑;在编辑部以外增加一些辅助的成分,比如脚本作者和专栏作者;在出版的形式上灵活一些,将单本的刊物附加各种专门的副刊……
也许,真的要来日方长。
2. 撰写分镜头脚本要求:简单绘制故事板,并用箭头标注出场面课度信息分镜头脚本中
所谓“漫画7大准则”,指的是在学习画漫画的边程中,“为了清随表达所想 表达的事物必须遵守的准则”。
看上去虽然很麻烦很难,但简单把基本事项总结一下,其实并不复杂。
只要好好记住这7个铁则,你的作品就会读起来非常明白!
铁则之一:
场景起始之处先画背景,让人知道登场人物处在什么地方。
只有背景不行。背景中一定要配置人物。
铁则之7:
格子内的“台词和画面”是联动的关系。
“画和台词”不-致,同样会让读者迷惑,不知道故事讲得是什么。
铁则之七中“格子内的画和台词是联动的关系",这句话可能比较难理解。
原因参见“画和台词不一-致"的范本。
对于漫画家来说,“台词和画是一个整体",基本是不会出现不一致的情况的。
很多想当漫画家的孩子,之所以作品画出来难懂,就是因为格子中“台词和画没有连成一体”。
要说完全就是脱离的也有点微妙,但是为了让后面的格子跟前面格子的内容有联系在一起的相关性,就必须要认真的进行解读,这样就能搞明白了,但是非常累。
在给想当漫画家的人传授经验时,最难的就是铁则的第七条。
“画的时候要让格子内的画面和台词联动起来”,说起来简单,实际操作起来每个格子每个格子都有不同的处理方法,没有通用的。
面对面单独进行解说,才能讲明白。
“画的时候要让格子内的画面和台词联动起来”这对于-个漫画家来说是理所当然的事情,为什么初学者就做不到呢。
即使给他们指出来,也会有很多人表示不明白,“是哪里没有联动起来呢” 。
原因可能如下,剧情发展、人物、情况等已经在自己脑中完成了理解,虽然只是零散的一些表现,但已经在脑中完成了补正,画出来的时候自然而然就觉得已经实现联动了吧。
“自己明白了,别人肯定也就明白了”,这是最难办的一种偏见了,要排除这种想法,就需要第七条铁则的存在了。
这里就是艺学绘给大家分享的漫画分镜的基本方法
3. 如何提拍摄效率分镜头脚本的绘制方法
首先,在写分镜头脚本时,我们要明白,自己的脚本是为了拍摄而写,所以,在写脚本时,我们应该以细节为主,否则,太过于笼统,导演会不知道拍什么。
第二,写分镜头脚本时,如果是影视需要,导演会给我们一段剧情,我们要做的是把这段剧情分解,并应用在拍摄中,从而让镜头更容易拍摄,至于怎么分解,这就需要一定的经验与想象力。
第三,如果是企业宣传脚本,对方会给我们一段话语,我们同样要把这段话语拆分,并写写成一个个分镜头,镜头多少无所谓,情节一定要细。
第四,在领悟分解话意之后,我们在写每一个镜头时,都需要写出需要拍摄的场景,就算是写片头,我们也应该写出拍摄的具体时间,精确到秒。
第五,在写每一个镜头时,都需要写出这样的寓意是什么,后期又该如何处理,只有这样写,导演才会确定这样拍摄到底值不值。
第六,这些都是分镜头脚本需要注意的事项,而最难之处莫过于如何分解分镜头,关于这一点,我们可以找一些小说来尝试分解,如果我们自己满意,那么,我们就开始写真正的镜头脚本了。
关于分镜头脚本的绘制方法的内容,青藤小编就和您分享到这里了。如果您对影视后期有浓厚的兴趣,希望这篇文章可以为您提供帮助。如果您还想了解更多关于谁信那个技巧、后期剪辑的方法及素材等内容,可以点击本站的其他文章进行学习。
4. 分镜头脚本是什么
什么是分镜头脚本
分镜头脚本,比较简单的概念就是,把每一个镜头的景别、场景、用光、人物活动等等用文字(或加图片)加以阐述,能让人对片子有个比较直观的认识。
分镜头脚本的概念
分镜头脚本又称摄制工作台本,也是将文字转换成立体视听形象的中间媒介,主要任务是根据解说词和电视文学脚本来设计相应画面,配置音乐音响,把握片子的节奏和风格等。分镜头脚本的作用主要表现在:一是前期拍摄的脚本;二是后期制作的依据;三是长度和经费预算的参考。 一, 分镜头剧本(story board)绘制要求:1、充分体现导演的创作意图,创作思想,和创作风格。2、分镜头运用必须流畅自然。3、画面形象须简捷易懂。(分镜头的目的是要把导演的基本意图和故事以及形象大概说清楚。不需要太多的细节。细节太多反而会影响到总体的认识。4、分镜头间的连接须明确。(一般不表明分镜头的连接,只有分镜头序号变化的,其连接都为切换,如需溶入溶出。分镜头剧本上都要标识清楚。)5、对话,音效等标识需明确。(对话和音效必须明确标识,而且应该标识在恰当的分镜头画面的下面。)二, 关于考试1、考试步骤:审题(1、明确题意2、构思故事提纲3、对故事进行分段4、人物造型)初稿(1、大概场景,人物的位置2、标出光源,阴影)勾线(1、确定主体轮廓2、去掉不需要的线条3、深入刻画人物表情)上色 (以光源来确定阴影,突出层次)写上编号,对话2、关于考试的时间安排:总的时间3个小时(审题20分钟,初稿10分钟,勾线40分钟,上色20分钟,编号10分钟)3、关于镜头方面的问题。镜距:远景 作用主要强调场面的深远。全景 作用显示人物相对的动作状态。(人物的全身都可见)中景 作用符合一般的人物视野,它的场景看起来不远不近。(人物膝盖以上)近景 作用能看清人物表情。(取人物的上半身或其他部分)特写 作用放大人物的面部,人体或物体的一个局部。(突出局部) 平视 特点是视平线在画面人物或主体的头部或上部。(该角度给人平实和自然的感觉)俯视 特点是画面在人物头部或主体的顶部以上,层次和运动比较清晰,但表情不容易被看清。仰视 特点视点在画面人物的腰部或主体的下半部以下。形象显得高大,但也会产生主体形象变形的特点。混合运用 通过平视,俯视,仰视的组合来达到希望的效果。
什么软件可以制作分镜头脚本
额,PS不就可以吗,或flash
分镜头剧本和分镜头脚本的关系?
什么是分镜头脚本?
分镜头脚本又称摄制工作台本,也是将文字转换成立体视听形象的中间媒介。主要任务是根据解说词和电视文学脚本来设计相应画面,配置音乐音响,把握片子的节奏和风格等。
分镜头脚本有什么作用?
分镜头脚本的作用主要表现在:一是前期拍摄的脚本;二是后期制作的依据;三是长度和经费预算的参考。
或者说……
电影脚本:
就是分镜头脚本,一般是由导演写。很正式的分镜脚本是类似表格的东东,要写明每一个镜头的内容、长度、景别、解说或对白、音乐、特效等。不过每个导演写的分镜脚本各异,主要是自己人能看明白就行了——
电影剧本:
专门写电影剧本的人,虽然不会将它写得像分镜脚本那样详细,不过也有时间地点等解说,但总的来说,它的可读性还是满强的,不过当然,和一般的小说还是有很大差别。主要是写剧本的人会根据“蒙太奇”思维来组织文字。
“手绘”什么是分镜头脚本
分镜头脚本是创作影片必不可少的前期准备。分镜头脚本的作用,就好比建筑大厦的蓝图,是摄影师进行拍摄,剪辑师进行后期制作的依据和蓝图,也是演员和所有创作人员领会导演意图,理解剧本内容,进行再创作的依据。
动画分镜头脚本中的“脚本”是什么意思
平整瞎构显然是呜儋
什么叫分镜头??
是导演将整个影片或电唬片的文学内容分切成一系列可摄制的镜头的剧本,内容包括:镜头号、景别、摄法、画面内容、对话、音响效果、音乐、镜头长度等项目,是导演对影片全面设计和构思的蓝图。
分镜头脚本中画面内容跟解说的区别是什么?
解说词就是旁白!画面内容只是参考.....
分镜头脚本和文学脚本的不同、各自是干什么的
电视广告脚本的种类
包括既连续又相互独立的两种类型: 一是文学脚本; 文学脚本是分镜头脚本的基础,由文案撰写。 二是分镜头脚本。 分镜头脚本是对文学脚本的分切与再创作,由导演完成
什么是分镜头脚本
分镜头脚本,比较简单的概念就是,把每一个镜头的景别、场景、用光、人物活动等等用文字(或加图片)加以阐述,能让人对片子有个比较直观的认识。
5. 请问什么是动画分镜头脚本,什么是电影分镜头脚本以及什么是广告分镜头脚本
分镜头脚本一般是写的,根据需要一般包括"镜号\时长\地点\人物\情节\景物\道具\音乐\音效\字幕\旁白"等内容,可繁可简.
影视广告文案主要靠写,但有时(尤其是在对客户进行创意阐述时)也需要画草图进行说明.
文凭貌似不重要,如果是做文案的话可以是广告专业,也可以是学中文的,甚至只要你有创意就可以,门槛比较低,但做起来比较辛苦.
6. 动画设计的分镜头脚本研究
动画设计的分镜头脚本研究
分镜头脚本是把文字剧本创造性地转化为声画结合的形象,用画面来讲故事,其提纲挈领作用是动画设计过程的重中之重。下面是我为大家整理关于动画设计的分镜头脚本研究,欢迎大家阅读!
一、动画视觉叙事的阐释
动画是一种融文学、绘画、设计、摄影、导演等各种表现技法于一炉、综合而独特的艺术形式,是极富富生命力创造力和表现力的艺术样式。不同事物的本质和生存权是其特殊性,它以与其他现象不同的方式表现存在就是这种特殊性的重要价值。动画叙事,其特殊性的特征及价值就是与文学叙事、电影叙事所不同的方式的表现存在。动画就是用绘画形式,或者在单帧上的显现是绘画艺术作品通过电影的一些拍摄手法组接起来的一种叙事体。其实展现故事就是叙事。现在尽管讲故事的途径和方式都有所改变,但讲故事的人的目的却始终如一,那就是要向观众传达信息。故事讲的是否能给人留下深刻的印象,就要看讲故事的人是否能让观众有身临其境的感受,是否能够抓住观众的注意力。为了达到这样的效果,就必须通过故事以及画面共同传达的信息来完成。随着电视、电影、摄影以及计算机的发明和发展,用形象讲述故事已经是一个新的高峰点,用分镜头脚本将故事做成一个形象画的流程板,是现在电影、电视、动画甚至是广告、MTV等前期制作环节中用来形象的讲故事的一种十分重要必要的要素。
二、动画是用画面讲故事
用画面讲述故事,人类在发明语言之前就有,早期的岩壁画就是一种交流方式。这一方法甚至可以追溯到距今有约两三万年前的旧石器时代——西班牙着名的阿尔塔米拉岩洞壁画中有一头野猪,它的腿和尾巴被重复绘画了几次,这使静止的画面产生了运动的感觉。其实这些都是最早的动画的视觉叙事,是动画的“分镜头”。同样着名的《贝叶挂毯》粗糙的纹理描述了征服者威廉侵略英格兰的历史惨烈,至今令人惊叹不已,我们有理由认为,贝叶挂毯也是早期的“分镜头”之一。分镜头是用来进行动画制作前期设计和视觉预览的工具,视觉化过程的关键在于分镜头脚本,其是以绘画和设计过程的逻辑延续对故事加以说明。在这个阶段视觉化的过程在本质上与叙事相关联,从字面意义上来说就是用画面来讲故事。
在任何电影的前期制作阶段,分镜头的使用都是一种重要的手段,无论是真人电影还是动画片,分镜头设计师都必须按照符合逻辑的叙事顺序来呈现故事。分镜头制作就是绘制一系列草图,并对每个基本场景和场景中的每个机位设置都做出说明,它是在开拍或制作前对电影或动画的全貌所做出的一种视觉展示,切记分镜剧本不是对文字剧本简单的图解和翻制,而是在运用动画语言的基础上对文字剧本的再创造。
三、动画分镜头——动画的施工蓝图
着名的动画长片《白雪公主和七个小矮人》的导演大卫·汉德提过在执导动画短片的'时候,最初的影片计划是做好一部影片的关键。很明确,导演依靠什么来统领全局?就是把影片的分镜头脚本制作好,使分镜头脚本成为一部动画影片的施工蓝图。
动画分镜头脚本是动画演员的表演预演,影片的每个部分都在分镜头脚本阶段被详细的策划,包括:角色造型、表演、动作、步调、剧情、对白、特效、镜头走位和剪辑。分镜头脚本的制作从分析解剖文字剧本开始,把文字剧本划分成各个视觉分段。它也是一种感念图,用来说明、设想和将文字剧本视觉化,帮助整个制作团队在实际拍摄之前弄清楚未来制作和拍摄的镜头的角度、空间方位、光线、运动等剧本在视觉画面上的要求,从而为最终影片制作提供蓝图。导演会将自己的创作意图、独特风格和艺术构思展现在分镜头脚本中,以此来塑造所要表达的内容。因此,分镜头脚本是制作团队统一创作思想,有计划地开展工作的主要依据和保证。分镜头脚本也是对要讲的故事进行视觉预览的一种基本方法。方法的第一步是绘制粗略的概念草图,然后是彩色的草图图册,而后是绘制连续的动画图,最后定稿。这样,整个故事情节的关系一目了然。脚本到位,呈现给观众的视觉效果必然精彩。
分镜头脚本是由一系列草图组成的,草图是工具,一种以系列画面将创意转变成最终电影语言的辅助工具。因为与分镜头脚本形式最相似的一种形象化的产品是带有卡通人物对白的连环漫画,而它们两者之间的作用是不一样的,分镜头脚本不像连环漫画或插画那样是一种独立的艺术形式,连环漫画是带有娱乐的一种手段,脚本则是帮助动画制作生产的一个工具。
19世纪30年代,迪斯尼公司的一位着名的漫画家韦伯·史密斯首次使用了分镜头脚本,同时迪斯尼公司意识到并立刻开设了一个独立的开发故事的部门。韦伯·史密斯将所有的草图和对话按照从开始到结局的故事发展顺序订在墙上,对镜头进行顺序的调整,指导故事的结构十分顺畅。事实验证分镜头脚本占据着不可或缺的地位。十多年之后,这种方式在电影制作中得到了普及,真人电影同样也感受到了故事板(分镜头脚本)的重要性,电影导演们也开始适用分镜头脚本画出详细的动作情节以及特效场面,以此来预示他们的电影效果。如今数字化革命似乎给电影业注入了新的活力,但分镜头脚本依然不可忽缺。例如《加勒比海盗》、《指环王》、《哈利波特》、《阿凡达》、《冰河世纪》等巨作,它们无一例都是通过分镜头脚本这一形式来呈现出影片的“模样”。
动画创作的全过程是由前期创作、中期生产、后期制作三个部分的工作相互继承、环环相扣、共同推动的。前、中、后期的工作缺一不可,合力进行保证了高质量动画片的产出。
四、动画分镜头脚本的语言
(一)镜头与景别。法国电影理论家马尔丹在《电影语言》中一再强调画面是电影语言的基本元素。这里讲的“画面”即指“镜头”画面,或“电影”画面,是区别于“绘画”画面而言的。影视作品的最基本的单位是镜头,镜头是指从一个角度连续拍摄的画面。也就是说,从摄像机开机到拍摄,直到再到它被关闭,就获得了一个新的镜头,如果为了获得一个新的视点,改变了摄像机的机位,这也是一个新的镜头。 景别是画面从二维平面上认识人物位置和空间关系,景别是完成影视视听画面空间塑造的重要形式。景别是组成视听语言的基本镜头基本单位之一,是指被摄对象在画面中所呈现的范围。景别的合理应用是艺术动画片风格展现和叙事成功的保证。画面的景别,取决于摄影机与被摄物体之间的距离和所用镜头焦距的长短两个因素。不同景别的画面在人的生理和心理情感中都会产生不同的投影,不同的感受。景别的划分,没有非常严格的界线,动画片和实拍片在镜头景别的分类上基本上是一致的。依据视距的远近,一般分为远景、全景、中景、近景、特写。
(二)镜头角度和轴线。摄像角度是“摄影机拍摄时的视点,即构图时运用摄影取景器观察、选择而确定画面的拍摄位置”。镜头角度的选择直接地影响着画面造型艺术的构成。取景的角度不仅影响观众对角色的看法,也是影响场景的呈现。当导演在动画分镜头脚本中以某一角度为主时,就会形成一种视觉主导风格,在整个视觉效果上,影响整个影片的叙事内容和造型风格。镜头角度通常会创造出富有戏剧张力的画面,给画面增加动感。在一般实际操作中我们会将其划分为三类:水平角度、俯视、仰视。轴线是一条虚拟的线,是一条用来确定演员在屏幕上位置的线。在分镜头脚本创作的过程中,为了达到镜头的流畅、连贯性,至关重要的因素是屏幕的方向——镜头在屏幕上的运动方向。
(三)运动的镜头。运动镜头,是指在拍摄连续画面时,通过移动机位、转动镜头光轴或变焦进行拍摄的电视画面。镜头的运动变化,主要是指摄像机位置的变化,一般分为推镜头、拉镜头、推拉镜头、摇镜头、跟镜头、横移镜头、升降镜头和综合运动镜头等几种类型。
(四)构图。构图是“听不见的旋律”。让画面讲话,让画面奏出更优美动人的旋律,更符合电影的特性。画面是电影构图的基础,电影中的影像都被圈在银幕的画框之内。构图一词出自拉丁语,原意有组成、结构和联结等含意。它借用到摄影艺术中来,是指从选材、构思到造型体现的完整创作过程。即思维过程和组织体现过程。画面是一个极其复杂的符号,诸如线条、形状、形体、纹理和规模这些元素共同地在构图中阐释意义。更直白的解释就是指一张照片的布局和构成。就是把要表现的对象,根据主题和内容的要求,有意识地把对象安排在画幅之内,把摄影者的意图表达出来。构图的目的在于增强画面表现力,更好地表达画面内容,使主题鲜明,形式新颖独特。
(五)节奏。影片的节奏是由能构成它运动的诸因素如时间、空间变化的长短、徐疾、强弱、动静的规律造成的。然而,不应该从表面上看这个问题,它也决非由形式的诸因素构成,而是由内在的本质与外表的现象的诸多因素共同作用的结果。电影的节奏是和影片中内容和形式诸方面因素联系着,受着它们的制约,由它们构成,随着它们的变化而变化的。要想离开这些去寻找纯粹但又是抽象的节奏,是得不到的。里希特说:“创造出常见的物体在时间和空间中的节奏,表现出它们的造型的美。”而这种“造型的美”是属于节奏的一种表现。
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