苍天脚本

❶ 原哲夫的作品年表

1982年~1983年：铁人堂吉诃德/鉄のドンキホーテ（少年Jump周刊、集英社） - モトクロス漫画、北斗の拳の前身作も収録
1982年：疯狂战士/マッドファイター（少年Jump周刊増刊8月号、集英社）
1983年~1988年：北斗神拳/北斗の拳（少年Jump周刊）原作：武论尊
1988年：铁人唐吉诃德 （鉄のドンキホーテ）
1988年~1989年：蓝战士/CYBERブルー（サイバーブルー）（少年Jump周刊）原作：bob、脚本：三井隆一
1989年~1993年：花的庆次 —在云的那边—/花の庆次 ―云のかなたに―（少年Jump周刊）原作：隆庆一郎、脚本：麻生未央
1994年~1995年：影武者德川家康/影武者徳川家康（少年Jump周刊）原作：隆庆一郎、脚本：会川升
1995年：猛龙星/猛き龙星（少年Jump周刊）
1996年：辉石燃ゆる时
1997年~2000年：SAKON=战国风云录/SAKON（左近） -戦国风云録-（少年Jump月刊）原作：隆庆一郎、脚本：二桥进吾
1997年~1998年：九头龙/九头龙（ヒュドラ）（MANGAオールマン、集英社）
1998年~2000年：公权力横领搜查官/公権力横领捜査官 中坊林太郎（BART3230、集英社）监修：佐高信
2000年：阿弓流为二世/阿弖流为II世（月刊コミックGOTTA、小学馆）原作：高桥克彦
2006年：北斗神拳拉奥传
2001年~2010年：苍天之拳/苍天の拳（周刊コミックバンチ、新潮社）监修：武论尊（苍天の拳）
2010年：いくさの子 织田三郎信长伝（月刊コミックゼノン、徳间书店）原作：北原星望

❷ 为什么日本漫画的分镜和中国的不同呢

这个题目刚刚落到纸上，就有一个朋友来批判我：“你是谁呀？漫画脚本这种东西也是你能研究的吗？你就是研究了有人看吗？再说，这种东西有必要研究吗？我画漫画的时候，都是用的现成的文学故事，那种东西比你自己编得成熟的多。”
对于这种说法，我其实打心底下认同，但是，在这种认同的同时，仍旧存在另外的疑问：我们只是为了改编别人的故事来画漫画的吗？那不是成了一种浅薄的炫耀了吗？如果不由我们这些自己动笔画漫画的前沿分子来总结经验、进行研究，那么，要由谁来完成这种工作呢？漫画人本来就是自不量力的，也喜欢鸡蛋里挑骨头，至于我的研究是不是正确，是不是浅薄，那就要由别人来评判——如果有人不服的话可以一起来探讨，结果不就可以造成理论空气的活跃吗？必须有人动手做这件事的话，就由我来好了！
在进行一本正经的研究之前，首先要弄明白研究漫画脚本所必须涉及的几个问题，依次的解决这些问题，我们或许可以一步步的揭开漫画创作的面纱。
1、涉及到漫画脚本创作的一些漫画的本质规律，
2、漫画脚本与文学之间的区别，
3、漫画脚本与电影脚本的区别，
4、日本漫画的脚本套路，
5、漫画脚本创作的一般程序以及可能格式，
6、漫画脚本在中国。
这些问题形成一个可以循序渐进、可供探讨的大纲，下面将沿着这个大纲进行分析和探讨。
第一小节 涉及到脚本创作的一些漫画的本质规律
这里所提到的规律，都是来源于经验的总结，而不是业已成为定论的原理。对于这些漫画的本质规律，应该是另外专门论述的，这里只是约略的加以阐述。
漫画中可以总结出来的本质规律总共也就那么几条——可以被称为本质的本来就是归纳到头的，可是对它们的解释和争辩可能会超乎想象的长篇累牍，对它们的认识也充满着模糊的经验主义成分。为了这个缘故，这里所出现的几条所谓的、未经验证的“本质规律”，将被直接引用而不加论证，如果有对它们的质疑，希望能够通过E-mail([email protected])跟我联系探讨。
就我个人的经验显示，漫画中最本质的原则有三条，即：时间性、流动性和连续性。从它们衍生出来或者为它们提供辅助的，又必不可少的出现流行性、夸张性、反讽性、叛逆性和幻想性。这些特性都是与漫画创作的整个过程息息相关的，不管是在漫画脚本创作还是画面构图，这些性质都会或多或少的起着作用。对这些性质的成功体现，是漫画能够在各种纸面艺术中脱颖而出的重要原因，也是优秀作品有别于一般作品的根本特点。
漫画的时间性来源于它对故事叙述的诉求，无论文学还是影视都有这种诉求，漫画在这方面的表现方式更加贴近影视。这一特性在脚本方面的体现是在节奏感方面的；而它在绘画过程中的体现，主要是镜头的运用和画面的分割——这也是这一特性在漫画中的主要外在特征。
漫画的节奏感来自于情节的取舍。我们应该比较清楚的了解自己故事中舒缓情节与紧凑情节的位置以及它们在情节中的作用，也因此产生取舍的问题——并不是所有的情节都是有用的，也不是所有的情节都是等长的——在写脚本的时候，我们就应该大致的估算出笔下情节所占用的画格数量即镜头数。为了使漫画变得更容易读懂和更加吸引人，就有必要主动的控制各种情节所占用的时间，它们量化成为画格数。一般来说高潮情节需要很大量的时间来表现，其中更多的是营造气氛，而平淡的情节往往既需要交待又不能太过拖沓冗长，与主题无关的情节也不应该占用读者太多的时间。处理平淡情节的方法并不是只有压缩一途，那样可能会造成阅读上的跳越使剧情变得突兀，经常采用的方法是加入小的阶段性高潮，或者预埋一些悬念。
漫画的时间性的把握实际上是风格的一个组成部分，除了上面提到的一般性手法以外，每个人都会有自己独特的见解。不论什么见解，只要是合乎人类的审美和理解习惯，都是可以接受的。
漫画的流动性主要是针对画面的美术效果提出的，因此它也就更加的体现了漫画的美术性，它在画面上的运用使漫画产生可以和影视效果相媲美的效果；关于它在脚本中的体现，主要是制造可以推动读者心理的种种缺陷。
在脚本创作中，制造情节、人物性格、故事结构的不完整，使读者产生要求补充完整的心理，进而造成继续阅读的动力——这实际上是文学作品惯用的手段，但在这里，技术化的成分要求更高，更容易形成套路。另外的手法就是制造差距、压力、矛盾等使情节得以产生冲击力和真实感。总的说来，所谓流动性就是象河水一样，制造高差，产生流动，无论内在外在，缺乏流动的漫画就象作者的梦呓，平淡而又没有现实感。
至于连续性，主要是漫画的影视特征和美术特征的结合，在画面上它可以保证漫画的连贯可读，是构成漫画的最基本的要素。在脚本方面，这一特性主要体现在具体的画面文本中——没有连续性确保的漫画文本简直不敢想是什么样子。
连续性在文学层次上主要包括对白和旁白以及插入的解说等。在这方面，连续性的作用是显而易见的，其手法却需要探讨。大多数时候，对白和旁白分为两类，一类是为情节进行服务的，一类是为表现人物和气氛服务的，连续性的要求主要是针对前者提出，后者并不存在符合连续性的必要。大多数时候，两类对白是混合在一起的，有着双重的用途，这时候的连续性要求仍然存在但是相对弱化。基本上可以说，这里的连续性要求就是交待情节的方法。一般手法有：1、直接介绍。这是交待情节背景的最简单途径，通过对白和旁白，确保连续性。2、对话引出。这时两类对白是交叉混合的，因此也就需要更多的巧妙安排，但很容易弄巧成拙，需要一定的功力。3、反复强调。对同一个情节反复的通过不同的对白加以复述，可以有效的增加情节的紧张感和连续性，但不是什么故事都能用。4、画面交待。情节基本上用无声的画面表达出来，对白只用于表达人物，这时候的对白与连续性无关，非常自由，不必考虑情节因素。其他还有很多，基本上也是需要个人经验的积累以及对电影、戏剧手法的研究。
这三条原则在脚本中的应用主要并不是为了完善脚本的故事而存在的，实际上它们更多的是为了使比较“文学”的“故事”变成更加适用于漫画的“脚本”。而正是由于它们的存在，漫画脚本才得以成为不同于文学或影视剧本的独立形式。
在这里就引入了一个公理：漫画脚本是为了完成漫画而被创作或改编出来的，它的首要服务对象是漫画本身，而不是其他。（公理一）
由此公理以及上面所说的三原则得出一个推论：漫画脚本的创作是指以创作漫画为目的的漫画前期文本制作，它应该试图使该漫画满足时间性、流动性和连续性的三原则，而脚本本身应该以最后在画面上所表现的效果为审核的标准，并从始至终照顾到画面的需要。（推论一）

第二小节 漫画脚本与文学之间的区别
漫画脚本与电影脚本的区别
漫画脚本与文学或电影剧本之间差异并不大，而且并不绝对，只从形式上很难将它们区分开来。
作为专门为漫画创作提供服务的漫画脚本，应该是带有漫画性质的文学，并象电影剧本那样分出场景和要素，有利于直接的专业操作。从这一点上说，漫画脚本既有文学的特性又有剧本的特性，就象漫画本身也是文学与电影的结合一样（这里所说的文学，似乎是比较狭义的文学，不包括剧本在内——这样的命题有利于比较明晰的思考）。对于由几种特性混杂起来的事物，我们需要将它的各种性质分解开来，与它自身独有的特性加以比较，最终使我们获得一个最为明确的认识。这种讨论方法就是我们即将对漫画脚本进行简单研究所希望采用的，也是试图将漫画脚本与其他的东西区分开的意义所在。
漫画脚本具有的很明显特征就是对画面的关注，它所述及的，都是画面可以表现的，并且在创作过程中要考虑到画面所造成的阅读效果——这就是文学所完全没必要顾及的领域。这或许和剧本有些相似，但是如果你注意到漫画实际上是采用关键帧来制造连续性的，你就会发现，漫画与电影的主要区别就在于无法逾越的连续性问题——但也正是这种连续性的不足使我们能够以丰富的想象力加以弥补，或者换言之使这种不连续的状态为我们提供了想象的空间。采用分格产生连续性的漫画要求它的剧本不要人为地制造太多的麻烦，在电影上面可以毫不费力表现出来的运动对于漫画来讲也许就是一种虐待。漫画家有权要求脚本作者采用更聪明、更适合漫画表现力的办法来阐述他的故事，这种要求造成了区别。
为了更加具体的找出区别所在，我们有必要将漫画中文学与电影的成分加以探讨。
漫画中的文学成分主要体现在故事情节以及对话文本上，这些成分是漫画的灵魂，是漫画用以感动读者的部分。有些漫画特意的将这种成分剥离，形成抽象的风格，它们的晦涩刚好可以作为反例证明，良好的文学成分会使漫画变得更加流畅和有感染力。
相对于文本，对文本进行表现就是电影语言的功能，整部漫画故事都是由精心选择的镜头衔接而成的，拙劣的镜头语法会造成严重的阅读困难。总听到有人说“漫画语言”这个词汇，而在一般理解中，“漫画语言”很大程度是指漫画的镜头语言（有时还包括一些画面上的小手法）。关于镜头组织，完全需要另外进行专门的研究，其涉及的领域也相当广阔。实际上每一位有经验的作者都有自己的镜头语法——这是风格的一部分，但是所有的镜头都应该是符合基本规律的——这种规律来源于人类共有的感知能力，我们有必要掌握它，以避免令人费解的镜头产生。
经过文学层面上的创想和电影镜头方面的推敲，最后使一部漫画变得美仑美奂的，是漫画的画面。在画面中所体现出来的就是漫画的美术成分，所以可以说漫画中美术所占的比重充其量不过三分之一。有人说过：“画漫画的人可以胜任很多行业，几乎任何行业的人也都可以变成漫画家。”这句话正是说明了漫画中美术成分是一种多么次要的因素——虽然不可或缺，但却应该适可而止。漫画对美术的要求实际上是很匠气的，它是一种流行文化，需要批量生产以及满足低层次观众的审美需求，所以职业漫画家的首要原则应该是力求满足作品的完成度，也就是精致的程度。在漫画的画面问题上，实际上可以说任何风格都有自己的比较省力的固定套路可寻，而且可以随着不断创作而得到迅速的提高。
美术成分相对于文学和影视来讲对于漫画的影响比较独立，也容易得到关注和改善，也就因此成为长期以来影响我们创作思想的一种误区。其实，综观本土漫画界，始终在讲提高画技，却迟迟无法产生具有影响力的作品，其原因何在？其实再明显不过。时至今日，我们的很多说法都在讲我们有了很好的作者，画技上不输给日本人，但是实际上我们真正缺少的从来都不是画技。就象我们总是说四大发明发源地在中国，但是为什么在别人家里开花结果？我们从开始就缺乏的是意识，既缺少创新精神也缺少独立思考认真研究的热情，否则，我们早已经是漫画的发源地了——有人曾经自豪的说：“日本的漫画之父手冢治虫还曾经在中国学过动画呢！”我反而觉得这是一种耻辱。
说了许多，漫画脚本与文学、影视剧本之间的关系到底是怎样的呢？首先我们没有必要从文体上做出任何区分——漫画脚本和电影剧本一样，从文体上看都无非是专业文学的一种。我们所要找出的区别与其说是一种分界线倒不如说是一种创作思想和关注点的差异。
也因此可以得到公理一的一则推论：漫画脚本在创作中应该以服务于该漫画预定读者群为参照，制造能够或有利于以漫画镜头语言表达的情节，设计画面能够描绘的场景气氛。（推论二）
说到这里我们可以得到一个印象——影视剧本是比较特殊的文学，漫画脚本则是比较特殊的剧本——这三者是层层嵌套的包含关系而不是开头所认为的交集关系。这样我们也就可以得到第三个推论：漫画脚本的创作过程可以大致的分为三个层次，首先是文学层面上的思考，然后是形成一个脑海中的电影，最后经过漫画化的清洗整理得到成品。这三个层次经常是只用同一个创作步骤就可以完成——它们与过程次序没有必然联系。（推论三）
第三小节 日本漫画脚本的套路
很多时候，我们必须学习日本，这是一种耻辱，但也是一种机会——至少有东西可学，可以减少闭门造车作井底之蛙的危险。
日本漫画从发展到现在，经验已经成熟到了很多东西不言自明的程度，他们对于脚本的创作也是完全驾轻就熟的。他们有职业的脚本作者以及代表出版社对脚本进行修订的编辑，这二者就象火车的铁轨，将漫画脚本手推车式的创作变成火车式的高速大量生产，这种条件我们现在还完全不具备。对于日本的这种体制下的产生的漫画脚本，我们没有实力进行模仿。
从另一个角度来讲，日本的漫画脚本因为产业化而走向了套路化。就象好莱坞的套路一样，除了少量“大片”以外，更多的是应一时之需的商业垃圾。近几年国内盗版书泛滥成灾，其中充斥了大量的这种垃圾漫画——既庸俗又引人入胜，在矛盾中体现了商业漫画的特点。
日本的商业化文化同时还存在着非常让人不理解的一面，比如说鸭蛋超人、可赛前来拜访之类，庸俗并且毫无意义的重复——就算是商业，也没必要非让人吃得泻了肚不可吧？当然，这也许只是日本的一种民族性，和漫画没有关系，但是如果可以把这种文化当作正常艺术创作中的流毒，我们就有必要稍加防范。
基于以上的议论，我们完全没有必要抄袭日本人的套路，但是却有着极大的必要加以总结——其实，对于自己的套路，日本人中也有人曾经加以探讨，并诚恳的将这种套路称为值得推荐的经验。
日本漫画家菅本顺一曾经专门写过一本漫画脚本的创作教程，其中深入简出的讲解了日本漫画的一般套路。他在书中提到，创作漫画故事的几条八股分别是：主人公，对手，朋友，矛盾，决斗。按照这种套路以及菅本顺一先生一本正经的解释，主人公在朋友帮助下打败对手克服矛盾的是故事的主线，经常不断的决斗是解决矛盾的终极方法。菅本顺一先生称这种套路是漫画最终都需要的一种金科玉律，虽然这句话夸张的成分居多，但我们却可以发现在日本漫画中这种故事套路实在是完全贯彻到几乎所有的中学生连载中。
菅本先生的理论中，主人公一般分为两类——糊涂型和淘气型，很明显弄内洋太（电影少女）和春日恭介（橙路）是糊涂型，星矢（女神的圣斗士）和樱木花道（篮球飞人）是淘气型。不管这两者中任何一个，菅本先生说，都不应该是学习好的好学生——正相反，菅本先生要求反面角色应该具有很强大的实力和很迷惑人的外表，包括好学生的身份、显赫的家世、聪明的头脑以及经过良好锻炼的身体——换句话说，主人公是一事无成的家伙，也许只有少数的优点，但对手却全身是优点只有一两个致命的缺点。这种反差造成故事的张力，是一种很基本的戏剧处理。主人公单凭自己是无法战胜强大的对手的，于是要给他们安排朋友——这些朋友是用来制造更多戏剧冲突的，他们有各自的优点——上一集被打败的敌人往往就变成下一集的朋友，最后会不断有大鬼出现，什么时候打败真正的boss就要看编辑对市场的观察了。这种对一种用熟的手法无限制重复的做法，是日本民族重视传统和精细加工的民族性。在这种固定的模式下，作者们将精力投入到情节的细节、故事的背景、人物的性格、造型塑造和画面的美工上。运用这种模式，日本人成功的将包括运动、饮食、音乐、礼仪、甚至非常专业的一些领域的日常生活的方方面面轻松的引入漫画中
从商业化来讲，这种故事套路与好莱坞一样是比较纯粹和保险的方法。在国内，颜开的雪椰是走这个套路的，即便出版和创作的的乌龟速度曾经形成很致命的阻碍，这部作品也还是获得了非常大的成功。相比之下，赵佳的黑血虽然也很商业，但由于终于选择了陈之默这个超级强人作主人公并在后期过于强调历史背景的交待，脱离了大众的生活圈子，终于还是流于琐碎和空洞。姚非拉的梦里人无疑应该说是系列型连载的杰出尝试，散碎而洒脱的生活细节带给人田园诗的意境，但是却最终使读者感受不到故事的整体，难以对市场形成强烈的冲击——也就是说，他在故事中失去了连续性。
在日本的漫坛上，也同时存在着大量的改变了这些套路而一样获得成功的例子。这些漫画常常是针对比中学生更高年龄读者群的作品，这些作品也有套路，甚至很多只是上面所说的那种普遍套路的变形。这些变形包括将主人公变得神勇、以宣扬大和精神而不是打败对手为终极目的、人物会产生RPG式的升级或突变……通过变形所形成的新的套路实际上更接近现实，也就更受读者欢迎。城市猎人、七龙珠、圣子到……等不胜枚举的优秀作品当属此类。
相对的，在如日中天的少女漫画中，有着另一种截然不同却异曲同工的套路。这种围绕这王子与公主的RPG套路，需要的元素仍旧不外乎王子、公主、对手（恶魔）、朋友、矛盾、解决。
所有这些套路都表现出同样的本质——连续上映的肥皂剧。这是商业文化的必然表现之一，是一种时尚。有套路的漫画更容易把握也更容易引起共鸣。面对套路，读者们并不反感，在脚本的套路之外，更加需要的是其他方面的高超表现。换一种说法，漫画的套路实际上提供了一种简便的算法，作者可以极大的简化脚本中立意和整体结构的问题。当我们对某种剧本结构进行了简化，并且这种简化符合市场大多数受众的审美和心理需要，那么着就可以被看成一种比较成功的套路加以推广。
这一点很值得我们借鉴，在我们的发展道路上，到现在也没有任何连载呈现出成熟的套路——也同时缺乏成熟的和稳定的构思，这实在应该引起编辑者的深思。
但是需要注意的是，不论少年还是少女漫画，都存在完全不理会套路的天才作品，它们关注社会，关注人生，并以自己独特的笔调描绘世界、解释生活。这类作品多数都有比较整体的故事架构，不会象系列漫画那样无限制的拖下去——这一点上更像优秀的长篇小说而不是上面那种肥皂剧。例如田村由美的BASARA，李学仁、王欣太的苍天航路等。
到这里，就得到一个推论：漫画脚本可以分为两类——有套路的和有整体架构的。有整体架构的可以不采用任何一种套路，但可以引用套路中的成分。（推论四）
日本漫画的套路是应商业文化的发展而出现的，也会随着商业文化的发展而发生转变。现在日本漫画的新套路已经开始成型，也许会渐渐取代旧的套路，也许会变得独特而失去套路的价值——但不论怎么说，日本人还在努力。
套路的形成和发展，为早期的日本漫画提供了动力，但却在思维上造成了定势，这必然对日本漫画的现状产生负面的影响。虽然现在日本每年都能像美国大片一样推出几部有商业影响力的作品，但是由于创作速度（日本早期即已成熟的作坊制度）和商业套路的影响，实际上更多的日本漫画在走下坡路。如何避免这种状况在中国的发生，而又得到和日本相似的繁荣，对我们来说是非常重要的课题——可能也是我们研究漫画脚本的最终意义。
日本漫画其实还有一些令人厌烦的东西，那就是漫画中表现的单纯和偏激的民族思想。不知是漫画的表现力不行还是日本人不行，日本漫画中的普遍思想除了正常美好的叛逆以外，更多的是大和民族天真的尚武精神以及单纯的崇尚强者，这种东西往往转变成不正常的暴力倾向，再捎带上日本人最热衷的变态情色文化，结果就成为阻碍日本漫画引进的主要阻力。
本来暴力和色情是一种人之常情，没觉得国家对好莱坞这方面的问题敏感过，相比之下日本人就太露骨了，而且缺乏正确的态度。就像日本人从小就接受男子汉之类大和精神的教育，日本的漫画中所崇尚的反抗性是没有节制的。
对于日本漫画的接受，很大程度上是因为这是外国的东西，有异国情调；而且日本漫画表现的是日本人的思想，中国人无法指责他们；对于不了解的日本，漫画怎么画我们就怎么接受，没有认为不真实的余地。中国的漫画缺乏这方面的优势，因此就应该避免在这些方面犯错误——不是日本人就不要奢望像日本人一样画漫画。但是我们有自己的优势，中国人特有的谦和宁静、聪明上进在日本漫画中根本就看不到。而且日本人对国外题材的普遍歪曲也不是中国人所认同的——虽然我们也时刻准备着歪曲国外的题材，但是不同的审美观会带来不同的历史感，这方面中国人无可置疑的比日本人普遍优越和深刻。即便是从现有的并不成熟的本土漫画来看，我们在文化上的潜力也远远超过日本很多成名漫画家——所以我现在所要祈祷的，并不是让中国传统文化在漫画中如何如何的蓬勃发展（那是水到渠成的事，而且只是新中国文化的有机组成部分，不宜片面过分的推崇），而是我们的编辑和发行人千万不要为了市场过分的引进日本人的“先进经验”，结果将我们自己的文化扼杀。

❸ 原哲夫的作品介绍

《北斗神拳》作为原哲夫的成名之作，不论是在漫坛上还是在原哲夫本人的漫画生涯中都占据着显要的位置。
平心而论，从那个时代的水平来看，《北斗神拳》不论是从情节上还是画技上，都有着很大的突破。
当时的日本画坛，少女派大都以五十岚优美子、池田理代子这种介于写实与唯美之间的画风；而少年漫画，也大都以池上辽一这种纯写实或车田正美这种纯漫画风格的画风为主，《北斗神拳》的出现，使得少年漫坛如同突然吹进了一股强烈的台风一般。
原哲夫的画技成熟过程，完全可以从《北斗神拳》的连载中看出。
他的画风，以写实派为基础，再加上适度的夸张，然后再辅以大量的网点加强效果，虽然整体画面较为阴暗，但是配合故事的情节与人物的个性，将整部漫画的精髓表现得淋漓尽致。

然而跳出时空的局限，以现代的眼光来看的话，《北斗神拳》却还是有着那个时代的局限性和不足的。
首先，《北斗神拳》的故事太过于冗长拖沓，没完没了的战斗让人逐渐让人感到厌倦；其二，战斗模式过于单一重复，让人在失去新意中变得无聊起来；其三，人物不论是在造型还是在个性上都有雷同之感，这样就使得这部漫画在漫长的时间长河中不能保持长久的活力，其生命力也大打折扣。
《北斗神拳》从82年连载开始，在长达数年的连载中，无数的漫迷被北斗所吸引，可以说，在《龙珠》问世之前，《北斗神拳》可以说是少年漫画的顶峰之作，没有任何一部漫画可以比得上《北斗神拳》的恢宏气势，以及它那无与伦比的铁血硬汉的风格。
剧情
当世界由于大规模的核战争而遭到毁灭性打击后，人类为了争夺仅有的淡水和食物开始互相抢夺厮杀，为了解救黑暗时代的人们，北斗神拳的继承人健次郎凭借着威力无比的暗杀拳法——北斗神拳，同各种邪恶势力做战斗，最终将光明带回世界。
经典台词
“你已经死了！” 这是动漫世界名列前茅的经典台词，这是属于漫坛硬汉健四郎的语言。无论是在何处的论坛还是BBS上，只要是涉及经典台词的话题，就一定会有人提到这一句。而只要提及动漫中的硬汉形象，有着那张扑克脸的健次郎也必定会榜上有名。 在《北斗神拳》结束连载之后，原哲夫很快就推出了他的新作——《花的庆次 —在云的那边—》。
这部以日本战国第一倾奇者前田庆次为主角的漫画，通过对前田庆次个人的描写，同时也描绘了战国时期众多令人崇拜的人物，将那个令无数人神往的时代描绘得栩栩如生，令人读来如痴如醉，卷不释手。
这部作品也并非是原哲夫的原创，而是他根剧日本着名剧作家隆庆一郎所着的同名作品所改编。说到这里，不免要插几句题外话。
作为一位资深的漫画前辈，原哲夫的创作能力其实很差——这一点连他自己也承认。他的作品绝大多数都是根据别人的作品所改编而成。其中又属隆庆一郎与武论尊二人的作品最多。
《蓝战士》的脚本由BOB与三井隆一所作，《北斗神拳》与《苍天之拳》都是武论尊的作品，而《影武者德川家康》与《花的庆次 —在云的那边—》、《破军星》等都是隆庆一郎的力作。
在此，我顺便介绍一下与原哲夫关系很深的两位作家。
隆庆一郎，大正12年生，东大法文系毕业后担任东京剧元社编辑。之后在中央大和立教大教授法文。自中央大学副助教一职退休后，以剧作家之姿活跃多时，曾得到剧作家协会奖，并从事小说创作，平成元年，荣获第二届柴田练三郎奖，也于该年逝世。主要作品有：《影武者德川家康》、《吉原御免状》（以上新潮社刊）、《柳生非情剑》、《舍童子 松平忠辉》（以上讲谈社刊）、《花と火の帝》（日经新闻社刊）、《かぶいて侯》、《一梦庵风流记》（以上小社刊）等等。
史村翔(现年57岁)又名武论尊，原名冈村善行。47年出身于日本农家，曾当自卫队，22岁那年，从没想过从事漫画的他，却跟随了本宫志当资料搜集员，并硬着头皮学写作。在离开本宫制作后，只写自己想写的作品，结果多部作品大受欢迎。其它名作：《流氓医生》（永安巧）、《北斗神拳》、《苍天之拳》（原哲夫）、《Shogun》所十三等。
或许，以一个漫画家的身份，能够使这些作品在漫画中发挥最大的功效，也的确是一件了不得的事情吧。这就像我国的西游记一样，无论被改编成什么样的动画，都有着很高的收视率。只是，人家的脚本众多，不像我们，只有几部神怪小说，可悲呀——这就是职业漫坛与非职业漫坛的区别么？
好了，闲话少说，我们还是回过头来来看看《花的庆次 —在云的那边—》。
这是一部以前田庆次为主角，除了着力刻划了庆次那超出常人的个性和本领之外，围绕着他，也附带描写了丰臣秀吉、前田利家、德川家康、直江兼续、伊达政宗、真田幸村、千利休、风魔小太郎、石田三成等众多战国名人，也虚构杜撰了几个人物，让这些人物分别代表的刺客、忍者等职业角色在他的笔下表现出了以往没有的人性和个性，同时更丰富了整部漫画的风格，使得整个战国时代如诗如画地逞现在我们面前。这种以人物来表现整个时代的方式，确实影响了后来的众多以古代日本为背景的漫画。
从描绘战国时代的风情和习俗来看，《花的庆次 —在云的那边—》所表现出来的，几乎没有任何一部漫画可比，纵然是其后同为隆庆一郎所作的《影武者德川家康》和原哲夫的最新作品《破军星》也无法与之匹敌。
从这方面来说，这部漫画可以说是代表了日本战国风漫画的最高成就。
而从原哲夫本人的作品之中来看，他的作品也因为作者的不同而明显地带有原作者的风格，能体现他自己风采的，只有他笔下的那一个个硬汉形象而已。
同时，武论尊的作品所表现的，大多是以未来或传说为背景，塑造了一个个虚构的传奇式形象。
这种作品可以造成一时的轰动，却很难拥有长久的生命力。抛开《北斗神拳》不谈，即便是借《北斗神拳》之余势出击的《苍天之拳》，也在众多期盼的眼光之下黯谈而去。
隆庆一郎的作品则与此恰恰相反。
他的作品大多以日本史上最让人神往的战国时期为背景，以西方式的历史小说撰写手法，在现实的大背景下专写某一个人的事迹，这个人可以是虚构的，也可以是真实的，但是由于现实的大背景以及那些历史上真实存在的人物作的配角，故事的精彩程度不是普通的漫画所能比拟的。
仅以原哲夫笔下的漫画来作比较，抛去画技成熟的因素不谈，《花的庆次 —在云的那边—》不管是从可读性还是从思想性上，都比只知拔拳硬干的《北斗神拳》要高出很多。
从情节主干来看，《北斗神拳》是战斗为主，几乎没有什么生活与感情的表现，尤莉亚与健次郎以及阿铃、巴托、拉欧等人的感情也都是呈单线条发展的；而《花之庆次——在云那方》所表现出来的世界，是那样的多姿多彩，也是那样的细腻丰富，那种战国时代的生活，只有在这部漫画中才能得到最好的体现——换句话说，这部漫画以当时社会的生活形态和人文形态为主，战斗反而降到了其次的水平，却成就了《北斗神拳》所无法达到的高度。
而这两者截然不同的风格，也必定造成了对原哲夫作品两个不同的评价——因为这些作品所代表的观念，并非是原哲夫或某一个人的，而是各自代表着其原作者的观念——这也就是没有自我创作能力的作家的缺点。
但是，作为原哲夫来说，与其说他没有自我的风格，不如说他能与各家的风格融为一体，将各家的风格展现出来。
也因此他的作品中，虽然不可避免地要出现很多遗憾，但是同样的，原哲夫也永远不会有创作思路枯竭的事发生。他的漫画生命，也一定会较之很多创作型作家要长很多。
而且，以原哲夫为代表的这类专由别人制作脚本的漫画家，在日本还是有着相当的数量的。而衡量一个漫画家的标准是多重性的，其中最重要的不是漫画家的创作力，而是要看他的作品在那个时代，在它的那个领域，是否起到了无可替代的作用。
当然，原哲夫的代表作当推《北斗神拳》与《花之庆次——在云那方》，这两部作品也确实代表了当时那个年代少年热血漫画的最高水平，更是各自领域中首屈一指的巅峰作品。
有人说鸟山明是少年漫画之神，但在我看来，在热血格斗漫画这个领域，原哲夫绝对是一个不容忽视，而且绝不会屈居第二的存在。
作为原哲夫那个时代的漫画家，有不少人确实已退出漫坛，也有一部分人处于半退休的状态，但是也有一部分漫画前辈仍然在漫坛几立不倒。原哲夫当然是属于后者。 又是一个男子汉的漫画，热血硬派，绝对不适合女孩子的漫画（原哲夫的漫画都不适合女孩子）。但是好象他的漫画都跟北斗神拳一样，或者类似，故事的走向都是一个样，不看完也能知道结局。
《猛龙星》（飚汉龙星）花藤龙星所率领的暴走族集团“关东狂走连合”为了要和蝶荣会作一个了断，龙星和蝶荣会组长鬼土政重展开一对一单挑。龙星在赤手空拳不利的条件下，迎战鬼土的武士刀，结果龙星以一枚戒指挡住武士刀，鬼土因此被龙星的气概深深吸引，甚至为了救龙星而牺牲...... 北斗神拳是三国时代创造出来的暗杀拳法，每代只传一人。故事发生在1935年黑道势力横行的上海。主角霞拳志郎是北斗神拳的主角拳志郎（二人的名字相同，或叫作拳四郎、健次郞）的伯父，北斗神拳第62代传人，人称阎王。拳志郎原本是东京的一所大学的讲师，他刻意把自己的能力隐藏起来，平时活像一个普通人（其外表打扮跟北斗神拳的主角有很大分别）。但后来青帮的朋友李永健到东京找他，并说他的朋友潘光琳及其妹潘玉玲（拳志郎的恋人）有麻烦之后，便只身到上海拯救他们。
在三国时代，由于战乱，北斗神拳亦多分了三个流派，分别是北斗孙家拳, 北斗曹家拳和北斗刘家拳。而当拳志郎到了上海，必须与三个流派的高手战斗，以维持他才是北斗神拳的正统。同时拳志郎亦必须帮助潘光琳的青帮对抗另一个作奸犯科的帮派红华会，以扩大在上海的势力。
原哲夫曾到上海取材，他希望故事的打斗场面更像中国武术，而苍天之拳中的招式的确比北斗神拳的更快和更丰富的细节。
原哲夫毫不掩饰地揭露日本军国主义对中国的狼子野心及带给中国人民的伤痛，即便因此遭受到日本右翼的攻击也毫不退缩。在各式帅哥美女充斥漫坛的时候，原哲夫依然用画笔告诉世人——真男人就该这样！ 影武者德川家康
战国时代，许多诸侯为防止遭人暗杀，常会找一个和自己长相相似的人陪侍身旁。据说德川家康也有一个长得和他相像的影武者，他的名字叫做世良田二郎三郎元信！
关原之战正酣，德川家康却被忍者暗杀。家康临死前拜托影武者假扮他完成一统天下的夙愿，而另一边的岛左近却在战场上散布家康已死的消息……惊心动魄的故事，真正属于男人的漫画。原哲夫硬派漫画的风格在这部《影武者德川家康》中得到了很好的体现，而其对大场面的调动也显得十分纯熟。
公権力横领捜査官 中坊林太郎
日本经济持续低迷，在某国召开了先进国家领袖会议。这一场表面上看似紧张的国际峰会，在它的官方会议记录中，却有足足一小时的空白。那段谈话除了国际首脑外，其他无人知晓。
一个月后，临时国会通过了防止政治腐败和整顿公务员操守的《公权力贪渎取缔法》。同一时间，内阁官房组织内也成立了名为“公权力贪渎取缔室”的调查机关。这个在外国势力施压下成立的机关的权力行使以及没收程序都是非公开的。谁也没有料到，这个机关竟然出现了一位最强悍，最恶劣的特任搜查官......

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